Organisateur (3) ー Comment organizer une performance pour meilleur impact

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Je ne veux pas paraître arrogant, mais il est nécessaire de montrer un soutien sur ce que je vais expliquer, en sorte que vous fassiez attention.

J’ai gagné plusieurs compétitions internationales de performance.
Pour nommer quelques premiers prix: le concours de talents de New York (pour le dernier tour, j’ai mélangé la cuisine à la danse d’une manière légèrement unique); Concours d’Halloween (Samouraïs blessés faisant du break dance avec une robe à la main); Concours régional Asie sur la présentation PPT (toutes les diapositives étaient mes dessins sans texte, avec un prix de 5 000 USD); concours de danse de rue en Mongolie et au Japon, etc.

Suis-je naturellement talentueux sur performance? Non.
Ai-je un cadeau physiquement? rien à voir (j’étais un gros garçon sans capacité physique ni discipline).
Ai-je pratiqué la performance depuis mon enfance? Non, j’ai commencé à danser à 19 ans.

Alors, comment ai-je tout fait?

J’ai appris à organiser une performance.

Aujourd’hui, nous devons présenter et performer de plus en plus (idées, projets, entreprises, etc.), ce qui signifie que vous devez exceller parmi vos rivaux, ce qui n’est pas facile. Dans cet esprit, dans cet article, j’aimerais partager quelques recommandations sur la performance, en mettant principalement l’accent sur l’expérience de la danse

C’est quoi, le performance?

Avant de détailler comment, on va voir ce qu’est la performance.

Selon le dictionnaire Oxford living, la définition de performance est:
“”acte de représentation de théâtre, de concert ou d’une autre forme de divertissement”.

Peut-être vous direz “Eh bien, je ne suis pas un artiste, donc je n’ai rien à voir avec cela.” Par contre, il y a une autre définition, qui applique à la plupart d’entre nous y compris les non-artistes:
“Une action ou un processus de réaliser d’une tâche ou d’une fonction”

Donc même si l’art est un élément important de la performance, en gros il s’agit essentiellement d’une action ou d’un processus de présentation de quelque chose, et la capacité de performance est applicable de l’une à l’autre.

Dans cet article, je parlerai plus particulièrement de danse, qui est divisé en 2 types: spectacle et bataille.

(1) Spectacle de danse : C’est un type de danse destiné à l’audience et en général il se déroule généralement sur une scène (ce n’est pas obligatoire), et c’est une chorégraphie d’une équipe de 2-10 personnes (parfois il y a d’une seul personne ou plus que 10 personnes) avec la musique choisie.

(2) Bataille de danse: c’est une competition de improvisation individuelle ou par équipe. I l y a de bataille spontanée (où les gens forment un cercle et que n’importe qui peut se faire montrer sa danse, généralement sans juge) une bataille structurée (avec des juges qui décident du vainqueur). En générale, il y a un DJ de bataille qui joue de la musique (donc les participants ne savent pas à quelle musique il faut danser.

En bref, (1) est une chorégraphie qui a besoin d’un préparation avec la même musique, tandis que (2) peut être plutôt une improvisation puisque on ne sait pas quel type de  musique le DJ va jouer pendant la bataille. De nos jours, en revanche, plusieurs danseurs mélangent  (1) et (2), et parfois les certains d’entre eux font exactement le même mouvement pour le (2) en ignorant la différence de la musique jouée par le DJ (ce qui je ne soutien pas en générale, bien que ce soit un choix de chacun).

Pourquoi faire le performance?

Comme mentionné ci-dessus, nous préparons une performance quotidiennement (soit dans le travail du bureau, soit dans le domaine artistique). Généralement, les personnes avec une compétition de performance se distinguent parmi d’autres. Ils ont des connaissances et des compétences techniques, mais ils les présentent aussi mieux que les autres. De nos jours, avec l’avènement d’Internet et de YouTube, nous pouvons apprendre presque toutes les connaissances et capacités techniques plus facilement qu’auparavant, ce qui signifie que de plus en plus de personnes peuvent y accéder, et nous devons faire plus que simplement utiliser la connaissance pour exceller.

Lorsque vous faites une bonne performance, cela donne plus de satisfaction au public, ce qui vous donne un résultat positif et une joie. En outre, la compétence d’exécution est une capacité nécessaire pour l’avenir pour tout le monde, car elle est étroitement liée aux compétences du 21e siècle (expression, créativité, résolution de problèmes, pensée critique, etc.).

Vous avez probablement déjà vu un spectacle de danse où une personne en particulier attire votre attention plus que d’autres, parce que cette personne utilise une expression faciale ou un geste spécial, ou quelque chose que vous ne savez même pas pourquoi c’est si attrayant. D’autre part, en ce qui concerne la bataille de danse, il y a beaucoup de danseurs qui peuvent faire beaucoup de choses avec une capacité physique élevée, mais seules quelques personnes se démarquent.

De mon point de vue, la différence entre ce qui a une grande capacité mais ne gagne pas et ce qu’elle gagne, bien qu’elle ne nécessite pas forcément beaucoup de technique, est la suivante:

Le premier fait ce qu’il veut montrer, tandis que le second fait ce que l’audience veut regarder. On va approfondir un peu plus.

Ce que vous voulez montrer

Lorsque nous présentons quelque chose, nous avons notre intérêt, peut-être que vous voulez montrer quelque chose de spécifique que vous venez d’apprendre ou que vous voulez montrer la plus grande quantité de connaissances sur le sujet. Plus vous avez de connaissances et de capacités, plus vous voulez leur montrer, ce qui est tout à fait normal.

Pour la préparation d’un spectacle de danse, il faut: identifier (1) un membre du groupe, (2) quel type de performance à faire, (3) de la musique, (4) qui chorégraphie et (5) tout consolider et pratiquer. Par conséquent, plus il y a de gens qui y participent, plus il y a d’intérêt pour chacun d’entre eux, ce qui peut montrer la diversité si tout va bien. Cependant, il est assez difficile à organiser car chacun propose autre chose en fonction de ses intérêts (musique, mouvement, concept, etc.) sans penser à une vision globale en tant que performance.

D’autre part, pour une bataille de danse, vous n’avez pas à préparer autant, sauf à une pratique générale de la danse (en fait, plus vous préparez des mouvements spécifiques, moins vous pouvez improviser et vous adapter à la musique de la bataille que personne ne sait, à part DJ).

Ce qui a en commun un spectacle et une bataille, c’est la limite de temps, dans lequel on doit y distinguer les autres. L’erreur commune est que vous voulez montrer tout ce que vous voulez sans considérer une essence très importante: l’audience.

Ce que les audiences (ne) veulent (pas) regarder

Mettre trop de contenu et d’intérêt pour la performance peut être considéré comme égoïste, au lieu de ce que l’audience veut regarder. Cela est lié au fonctionnement de notre cerveau (dans ce cas, celui du public). Jetons un coup d’oeil aux nombres suivants:

100 VS 3

Que pensez-vous que cela signifie?

C’est ce que j’appelle la “règle des 100 vs 3”
100: ce que vous voulez montrer et ce que l’audience ne veut pas regarder
3: Ce que l’audience peut retenir et veut voir

Les nombres (100 et 3) en eux-mêmes ne représentent pas une preuve scientifique. Mais le fait est que dans beaucoup de représentations, les gens essaient de montrer le plus de choses possible, pensant que ce serait bien, ce qui n’est pas vrai. En fait, plus vous montrez de contenus, plus il est difficile de connaître le point principal de la performance (car nous ne pouvons pas absorber beaucoup de choses à la fois) et la qualité de chaque partie diminue de plus en plus et l’audience s’ennuie parfois. Au lieu de cela, si vous montrez 2 ou 3 points principaux au bon moment, l’impact de chacun d’entre eux se démarque et le public a tendance à s’en rappeler (comme l’image de couverture: le pouvoir de moins!)

Voyons quelques exemples d’un spectacle de danse.

Si vous montrez 100 mouvements acrobatiques en 3 minutes (généralement, une émission dure entre 3 et 5 minutes), l’impact de chaque mouvement est perdu, alors que si on limite à 2 ou 3 au bon moment, tout le monde se souviendra de ces mouvements.

Selon l’audience, vous pouvez ajuster ce que vous présentez. Vous devez donc analyser qui ils sont et ce qu’ils préfèrent voir.

Comment ai-je appris cette règle?
J’ai fait des spectacles plus de cent fois. Mais beaucoup plus que cela, j’étais un audience de milliers de performances, et j’ai vu les bons et les méchants, et j’analysais pourquoi.
La réponse était la règle 100 VS 3 (mauvais VS bon).

L’essentiel est donc de vous mettre à la place de l’audience et la meilleure façon de le faire est d’être l’un et d’analyser ce qui est bon ou mauvais. Et ensuite, vous devez mettre en pratique ce que vous pensez être bon dans votre performance, en voyant la réaction de votre public. En d’autres termes, vous devez apprendre une théorie en faisant partie du public et l’appliquer en effectuant une performance, puis répéter ce cycle pour s’améliorer constamment.

Bien, faire une performance du point de vue du public est une clé. En outre, il y a d’autres choses à considérer: analyser ce que vos rivaux pourraient faire.

Ce que les autres pourraient faire

Décider de ce que vous allez faire pour l’audience  est tout aussi important que de savoir ce que vous n’allez PAS faire. Une bonne performance se démarque parmi d’autres. c’est-à-dire que si vous connaissez les autres, vous pourrez vous préparer à une meilleure performance.

Un exemple d’un spectacle est de montrer quelque chose d’unique que d’autres ne peuvent même pas imaginer. Lorsque j’ai décidé de rejoindre l’équipe de 12 à 13 personnes pour le concours d’étudiants universitaires, nous avions de nombreux intérêts pour la musique et la chorégraphie. Auparavant, nous avions l’habitude de connecter 3 ou 4 musiques différentes et d’assigner des membres à la chorégraphie, partie par partie. Mais cette fois-ci, c’était une compétition sérieuse, et comme je savais que les capacités physiques de l’équipe (y compris la mienne) ne suffisaient pas pour battre les autres universités, j’ai proposé de n’utiliser qu’une musique (avec uniquement un son de batterie, ce qui d’un membre de l’équipe)  et faire quelque chose de très unique. La plupart d’entre eux ont objecté parce que nous n’avions jamais fait une telle chose, mais petit à petit, nous avons accepté et notre concept a été décidé comme un festival traditionnel du Japon. Nous avons travaillé dur pour montrer un impact à l’audience et nous avons finalement remporté un prix spécial au concours (les commentaires des juges étaient “un spectacle inoubliable”)

Pour montrer un autre exemple de bataille universitaire régionale où j’ai remporté le premier prix, j’avais analysé d’autres équipes (dont la plupart étaient des danseurs acrobatiques). Bien que je sache faire quelques mouvements de break dance acrobatiques (ça s’appelle “power move”), les autres étaient bien meilleurs que moi à ce sujet. J’ai donc décidé de ne pas en utiliser, et je me suis concentré sur une danse simple et différente (danse à la musique, qui faisait défaut parmi les autres danseurs acrobatiques). Finalement, les autres ont fini par faire les mêmes mouvements (qui semblaient être les mêmes pour le public et les juges) et j’ai remporté le premier prix.

Voir le point?
Bien sûr, pour ajuster les performances en fonction des autres, vous devez disposer de capacités variées. Par exemple, si vos rivaux dansent très bien la musique sans acrobaties, vous pouvez peut-être mixer un peu pour vous démarquer.

Originalité

Bien que j’ai mentionné l’importance de considérer l’audience et les autres, cela ne signifie pas que vous devez vendre votre âme et que vous ne pouvez pas faire ce que vous voulez. Le but est de faire ce que vous voulez / pouvez, en même temps, trouvez ce que l’audience préfère et ce que font vos rivaux, et organisez votre présentation.

Comment organiser le performance

Voici le résumé de la façon d’organiser une performance pour un spectacle de danse et une bataille:

  1. Connaitre plus sur le public
  2. Connaitre plus sur vos rivaux
  3. Connaitre plus sur vous-même (ce que vous pouvez et ce que vous voulez)
  4. Analyser ce que vous (ne faites pas) en considérant les points 1 à 3 ci-dessus (par exemple, utiliser uniquement une musique avec un concept clair)
  5. Pratiquer
  6. Essayer d’improviser (surtout en cas de combat)
  7. Vous amuser  (résultat est secondaire à la joie)

C’est tout. Je ne dis pas que vous devriez vous concentrer uniquement sur l’organisation de votre performance. En tant que fondation, vous devez avoir une capacité de base, une créativité et une expérience face à l’audience. Mais ces recommandations peuvent maximiser ce que vous voulez, pouvez et ne faites pas.

Cette fois, j’ai spécifiquement parlé de la danse (spectacle et bataille). Mais ces règles s’appliquent également à d’autres performances, dont je parlerai dans les entrées suivantes de la série organisation.

L’apprentissage de cette histoire 

La performance existe grâce à l’audience, et vous devez les analyser et autres concurrents et vous-même, pour décider quoi (ne pas) faire, pour ensuite pratiquer et apprécier. En d’autres termes, vous devez organiser une performance pour donner un meilleur impact.  

Merci d’avoir lu cet article. Si vous l’aimez, n’oubliez pas de souscrire. Si vous avez des commentaires ou des questions, n’hésitez pas à écrire. Bon apprentissage!

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